artista estadounidense.
Su obra se basa en el espacio y la realidad. Judd comenzó a trabajar como pintor, pero su trabajo evolucionó a objetos independientes en tres dimensiones, sobre suelo o pared que usan formas sencillas, a menudo repetidas, que a su vez exploran el espacio y el uso del espacio en que se encuentran.
Carl Andre
escultor estadounidense, figura prominente dentro del movimiento conocido como minimalismo.
Dan Flavin
fue un escultor estadounidense encuadrado dentro de la corriente del Arte Minimalista. Centró su trabajo sobre todo en la construcción de esculturas mediante tubos de neón que generaban un ambiente determinado y propiciaban cambios en la percepción visual.
Imagenes
Arte conceptual
Antecedentes
El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp (principal artista) serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-mades. Daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.
Caracteristicas
Los precursores inmediatos del arte conceptual pueden buscarse en el resurgir de las Vanguardias tras la II Guerra mundial, en una compleja serie de intercambios culturales entre Europa, EEUU y Japón. Dos figuras destacan como manantiales de nuevas ideas: el antes mencionado Marcel Duchamp (que emigró a EEUU durante la I Guerra Mundial) y el compositor estadounidense practicante del budismo zen John Cage. Sin embargo, fue en los límites de la pintura, donde se concentraron las actividades vanguardistas. En EEUU, Robert Rauschenberg y Jasper Johns transformaron la pintura con objetos cotidianos y eventos fortuitos, y cuestionaron su situación privilegiada. En Japón, las obras basadas en la performance del grupo Gutai ampliaron el informalismo y la action paintinghasta transformarlos en actos rituales de agitación. En Francia e Italia, Yves Klein y Piero Manzoni respectivamente desarrollaron prácticas vanguardistas paralelas en las que realizaron el contenido ideal de la experiencia artística a partir de su concepción alternativa del significado metafísico del monocromo. En cada paso, la ampliación hasta la destrucción de la idea de la pintura alentó un interés por lo efímero y lo inmaterial que prefiguró el "arte conceptual" con conciencia de su propia identidad subsiguiente.
Representantes
§ 1917: Marcel Duchamp exhibe su Fuente, un mero mingitorio de porcelana común en el Salón de Artistas Independientes, como una manera de cuestionar la naturaleza del arte, dejando claro que cualquier cosa, con una buena idea como soporte, podía ser arte. Haciendo que lo que realmente importe es lo que nos quiere dar a entender, lo que nos quiere llevar a reflexionar y dejar de lado lo que representa. Diferencia entre lo que representa y lo que esta representado.
§ 1953: Robert Rauschenberg exhibe Dibujo de De Kooning Borrado, un dibujo de Willem De Kooning que Rauschenberg borró. Esta pieza levantó muchas preguntas acerca de la naturaleza fundamental del arte, provocando al espectador a considerar si borrar un dibujo de otro artista podía ser un acto creativo, así como si el trabajo sólo era "arte" porque el famoso Rauschenberg lo había hecho.
§ 1956: Isidore Isou introduce el concepto de arte infinitesimal en Introduction à une esthétique imaginaire (Introducción a una estética imaginaria).
§ 1957: Yves Klein
fue un artista francés considerado como una importante figura dentro del movimiento neo-Dadaísmo.
, Escultura Aerostática (París). Esta estaba compuesta de 1,001 globos azules que fueron liberados hacia el cielo desde la Galería Iris Clert para promover su Proposición Monocromo; Época Azul. Klein también exhibió Pintura de Fuego de un Minuto, que era un panel azul en el cual 16 petardos fueron colocados. Para su importante exhibición El Vacío en 1958, Klein declaró que sus pinturas eran ahora invisibles y para probarlo exhibió una sala vacía.
1958: Wolf Vostell Das Theater ist auf der Straße/El teatro está en la calle. El primer happening en Europa
Imágenes
ESCUELA MEXICANA DE PINTURA
Después de la Guerra de Independencia, la Academia sufrió graves problemas tanto administrativos como en su cuerpo docente, que no serían solventados sino hasta mediados de siglo. Es por esto que la primera parte del siglo XIX la constituyen obras de artista extranjeros que llegaron a México atraidos por su historia, naturaleza, arqueología, vida y costumbres y realizaron obras entre las que se encuentran pinturas, dibujos y publicaciones. Entre los pintores más importantes de esta época están los extranjeros Claudio Linati, Federico Waldeck, Daniel Thomas Egerton y Juan Mauricio Rugendas.
No fue sino hasta mediados del siglo XIX que se inició el arte propiamente mexicano de tendencia académica y romántica que prevalecería hasta el siglo XX. Los maestros europeos fundaron una escuela académica basada en el Clasicismo, estilo que gustaba mucho a la nación que empezaba su desarrollo. El maestro en pintura Pelegrín Clavé, tuvo como alumnos de esta escuela a Santiago Rebull y a Felipe Gutiérrez, entre otros.
Una de las formas de expresión pictórica más representativa e importante de este momento fue el paisaje, que encontró a su mejor intérprete en José Maria Velasco, quien le imprimió una esencia netamente mexicana.
En su obra, descubrió la vasta belleza del Valle de México que fue desarrollando cada vez más con mayor perfección. Sus paisajes son una verdadera meditación y se presentan como una visión poética en la que la profundidad y lontananza son casi inalcanzables, inabarcables. Aqui introduce con sutileza temas históricos que abarcan el pasado indígena, la historia colonial y el progreso moderno; síntesis con la que llega a convertirse en el artista representativo de la modernización mexicana, tomando como punto de referencia para su obra la confluencia de todos los factores que en ese momento constituían la cultura nacional.
Fuera de la Academia se dio la llamada pintura independiente o popular, surgiendo aquí el artista más ligado a representar la necesidad inmediata popular que a practicar doctrinas estéticas. Al ser obras del gusto popular, los temas fueron el retrato y el bodegón, principalmente, que adornaron los hogares de la clase adinerada.
El término ha sido producto de la necesidad analítica de historiadores y críticos por referirse a una etapa específica de la producción plástica de los artistas nacionales y extranjeros que trabajaron en el país desde 1921 hasta fines de la primera mitad del siglo, con secuelas posteriores. En un sentido amplio, el término a veces incluye al muralismo, en otro sentido más estricto sólo a la producción de caballete y a la escultura no urbana.
Visto desde un enfoque generacional y estético no hay propiamente una "escuela". Pues los miembros que la integran tuvieron edades diferentes y formaciones y gustos casi opuestos. En sus producciones murales y de caballete, vemos que sus afinidades son mínimas con relación a sus diferencias.
No obstante, el apelativo sugiere factores comparativos que a continuación enumeramos, advirtiendo que son generalizaciones que sólo nos pueden facilitar la comprensión del término.
Generacion de la ruptura
La Ruptura es el nombre dado al conjunto de artistas mexicanos y extranjeros radicados en México, que en la década de los 50 comenzaron a reaccionar contra lo que percibían como los gastados valores de la Escuela Mexicana de Pintura, la cual aglutinaba a los muralistas mexicanos (David Alfaro Siqueiros, Diego Rivera y José Clemente Orozco entre otros) cuya temática nacionalista, izquierdista y revolucionaria había sido la corriente artística hegemónica en México desde el estallido de la revolución mexicana en 1910. La generación de la Ruptura incorporaba valores más cosmopolitas, abstractos y apolíticos en su trabajo, buscando entre otras cosas expandir su temática y su estilo más allá de los límites impuestos por el muralismo y sus ramificaciones. Es de hacer notar que el movimiento no fue jamás organizado ni definido, como tal se daba de modo bastante espontáneo, no era deliberado y las relaciones entre sus miembros fueron mas bien informales.
Artistas de transición
Mathias Goeritz
fue un escultor mexicano de origen alemán que luego de la Segunda Guerra Mundial se estableció en México, dejando uno de los legados artísticos más importantes de la historia cultural del país.
Gunther Gerzso
Artista plástico mexicano de ascendencia húngaro-alemana que se destacó como pintor, diseñador de escenarios, escritor y director de teatro y cine, y que formó parte del movimiento artístico conocido como “La Ruptura”
Vicente Rojo
es un pintor y escultor mexicano, aunque nacido en 1932 en Barcelona, España, ciudad en la que hizo sus primeros estudios de escultura y cerámica.
Manuel Felguerez
pintor y escultor mexicano.
Fernando Garcia
Generacion de los 50 hasta fin del siglo XX
Francisco Zúñiga
Escultor y pintor costarricense, afincado en México. Aprendió el oficio en el taller de su padre, Manuel Zúñiga Rodríguez, autor de imágenes religiosas y continuador de una tradición familiar de tallistas y escultores
Jose luis cuevas
Pintor, dibujante, escritor, grabador, escultor e ilustrador mexicano nacido el 26 de febrero de 1934 en la Ciudad de México.
Francisco Toledo
(Juchitán, Oaxaca,17 de julio de 1940) es un pintor mexicano.
Rodolfo Morales
fue un pintor surrealista mexicano, que incorporó elementos de realismo mágico en su obra, se dio a conocer por sus colores brillantes, lienzos surrealistas como el sueño
Gabriel Orozco
es un artista mexicano nacido en Xalapa, Veracruz y educado en la Escuela Nacional de Artes Plásticas(ENAP) de 1981 a 1984. Hijo del celebre muralista Mario Orozco Rivera quien también fue discipulo de David Alfaro Siqueiros.
Arquitectura de la primera mitad de siglo XX en México
Llegan nuevos estilos arquitectónicos como lo son el neobarroco o neocolonial, el art decó y aparecen los primeros edificios con aires de modernidad en el estilo funcionalista.
Critica del Funcionalismo
Y nuevas propuestas de urbanismo
Existe una tiranía del diseño funcional ( línea recta)
Son esquemas repetitivos, estos no se adaptan al entorno
Es un estilo frio, pobre en elementos expresivos.
1953 CIAM en AIX PROVENCE Francia. Un grupo de qrquitectos jóvenes, se oponen a la carta de Atenas de lecorbusier planteando lo siguiente:
La nueva arquitectura tiene que tomar en cuenta el ser hunamo, reconociendo sus necesidades en interrelacion humana, e interdependencia con el entorno físico.
El crecimiento urbano debe de rechazar la dicotomía entre naturaleza y ciudad entre ciudad antigua y ciudad moderna.
Se debe de identificar las necesidades especificas de la población para incorporarlas a la estructura urbana, necesidades productivas, familiares recreativas, deportivas, culturales y de integración social comunitaria.
La necesidad de movilidad alternas son básicas en los proyectos sustentables.
